05.12.2022 13:41:27 | Автор: admin

Большое видится на расстоянии это строчка из стихотворения Сергея Есенина, которая давно уже стала крылатой. Поэт говорил о любви, но эти же слова можно применить к описанию картин. В мире немало художественных полотен, которые впечатляют своими размерами. Любоваться ими лучше издалека.




Художники создают такие шедевры годами. Нарисованы тысячи эскизов, потрачено огромное количество расходных материалов. Для больших картин создают специальные залы.

Вот только рекордсмены постоянно меняются, многие художники хотят запечатлеть свое имя хотя бы таким образом. Для других же это возможность подчеркнуть значимость события или явления.

Если вы интересуетесь искусством или любите все выдающееся, наш рейтинг самых больших картин в мире вам обязательно понравится.

10. Рождение Венеры, Сандро Боттичелли, 1,7 x 2,8 м




Этот шедевр хранится в галерее Уффици во Флоренции. Работу над полотном Боттичелли начал в 1482 году, закончил в 1486. Рождение Венеры стало первой большой картиной эпохи Возрождения, посвященной античной мифологии.

Главная героиня полотна стоит в раковине. Она символизирует женственность и любовь. Ее поза в точности копирует знаменитую древнеримскую статую. Боттичелли был образованным человеком и понимал, что этот прием по достоинству оценят знатоки.

Также на картине изображен Зефир (западный ветер) вместе со своей супругой и богиня весны.

Картина дарит зрителям чувство спокойствия, уравновешенности, гармонии. Изящность, утонченность, лаконичность основные характеристики полотна.

9. Среди волн, Иван Айвазовский, 2,8 х 4,3 м




Картина была создана в 1898 году в рекордно короткие сроки всего 10 дней. Учитывая, что на тот момент Ивану Константиновичу было 80 лет, это фантастически быстро. Идея пришла к нему неожиданно, он просто решил нарисовать большую картину на морскую тематику. Это самое любимое его детище. Айвазовский завещал Среди волн своему любимому городу Феодосии. Она до сих пор находится там, в картинной галерее.

На полотне нет ничего, кроме бушующей стихии. Для создания штормового моря использовалась широкая гамма красок. Переливчатые светлые, глубокие и насыщенные тона. Айвазовскому удалось сделать невозможное изобразить воду так, что она кажется подвижной, живой.

8. Богатыри, Виктор Васнецов, 3 x 4,5 м




Полюбоваться этой картиной можно в Третьяковской галерее. Васнецов работал над ней два десятка лет. Сразу после завершения работ полотно приобрел Третьяков.

Идея создания родилась неожиданно. Виктор Михайлович задумал увековечить бескрайние русские просторы и богатырей, которые стоят на страже спокойствия. Они смотрят по сторонам и примечают, нет ли поблизости врага. Богатыри символ силы и мощи русского народа.

7. Ночной дозор, Рембрандт, 3,6 x 4,4 м




Экспонат находится в художественном музее Амстердама Рейксмюсеум. Там для него выделен отдельный зал. Рембрандт написал картину в 1642 году. На тот момент она была самой известной и самой большой в голландской живописи.

Изображение воинственное люди с оружием. Зритель не знает, куда они отправляются, на войну или на парад. Личности не вымышлены, все они существовали на самом деле.

Ночной дозор групповой портрет, который лица, близкие к искусству, считают странным. Дело в том, что здесь нарушены все требования, предъявляемые к портретному жанру. А так как картина писалась на заказ, покупатель Рембрандта остался недоволен.

6. Явление Христа народу, Александр Иванов, 5,4 x 7,5 м




Картина находится в Третьяковской галерее. На данный момент она там самая большая. Специально для этого полотна был построен отдельный зал.

Александр Андреевич писал Явление Христа народу 20 лет. В 1858 году после смерти художника ее купил Александр II.

Эта картина бессмертный шедевр. На ней запечатлено событие из Евангелия. Иоанн Предтечи крестит людей на берегу реки Иордан. Вдруг все они замечают, что к ним приближается сам Иисус. Художник использует интересный метод содержание картины раскрывается через реакцию людей на явление Христа.

5. Воззвание Минина к нижегородцам, Константин Маковский, 7 x 6 м




Картина хранится в Нижегородском художественном музее. Самое крупное станковое полотно в нашей стране. Маковский написал его в 1896 году.

В основе картины события времен Смуты. Кузьма Минин призывает народ сделать пожертвование и оказать помощь в освобождении страны от поляков.

История создания Воззвание Минина к нижегородцам довольно интересна. Маковского настолько поразила картина Репина Запорожцы пишут письмо турецкому султану, что он решил сотворить не менее значимый шедевр. Он добился высокого результата, и сейчас полотно имеет серьезную культурную значимость.

4. Брак в Кане Галилейской, Паоло Веронезе, 6,7 x 10 м




Экспонат находится в Лувре. Сюжетом картины послужило событие из Евангелие. Веронезе написал ее в 15621563 годах по заказу бенедиктинцев монастырской церкви Сан-Джорджо Маджоре (Венеция).

Брак в Кане Галилейской это свободная интерпретация библейского сюжета. Это и роскошные архитектурные декорации, которых не могло быть в галилейской деревушке, и люди, изображенные в костюмах разных эпох. Паоло совсем не смущало такое несоответствие. Главное, что его заботило это красота.

Во время Наполеоновских войн картина была вывезена из Италии во Францию. По сей день организация, защищающая культурное наследие Италии, пытается добиться возврата полотна на родину. Сделать это вряд ли удастся, юридически картина принадлежит Франции.

3. Рай, Тинторетто, 7 x 22 м




Рай называют венцом творчества Тинторетто. Он написал ее для Дворца Дожей в Венеции. Этот заказ должен был получить Веронезе. После его смерти честь украсить торцовую стену Большого Совета выпала Тинторетто. Художник был счастлив и благодарен судьбе за то, что на заре своей жизни он получил такой подарок. На тот момент мастеру было 70 лет. Он работал над картиной 10 лет.

Это самое большое полотно в мире, написанное маслом.

2. Путешествие человечества, Саша Джафри, 50 x 30 м




Картина написана нашим современником. Саша Джафри британский художник. Путешествие человечества он написал в 2021 году. Размеры картины сопоставимы с площадью двух футбольных полей.

Работа над полотном велась в отеле Дубая на протяжении семи месяцев. При создании его Саша использовал рисунки детей из 140 стран мира.

Картина была создана с благими целями. Джафри собирался разделить ее на 70 частей и реализовать их на аукционах. Деньги он собирался пожертвовать детскому фонду. В итоге картину не стали разрезать, ее приобрел Андре Абдун. Он отдал за нее 62 миллиона долларов.

1. Волна, Джуро Широглавич, 6 500 м x 1,7 м



Эта картина занесена в Книгу рекордов Гиннеса. Джуро Широглавич написал ее в 2007 году. Цель очевидна установление мирового рекорда. Действительно, размеры впечатляют. Видели ли вы когда-нибудь картину протяженностью 6 км? 2,5 тонны краски, 13 тысяч м. Вот только что с ней делать? Ее не повесить в галерее, даже создание отдельного зала здесь бессмысленно.

Однако художник не желает, чтобы его Волна пылилась и была невостребованной. Он решил поделить ее на части и продать на аукционе. Вырученные деньги Джуро пожертвовал в благотворительный фонд, который оказывает помощь детям, пропавшим во время войны на Балканском полуострове.
top10a.ru Подробнее..

24.11.2022 13:43:23 | Автор: admin

Даша Пирс (Dasha Pears) отмеченная наградами художница из Хельсинки, Финляндия. Даша работает в стиле, который она называет "психореализм". Ее сверхъестественно лаконичные и эстетически чистые произведения искусства сосредоточены на изображении того, что может происходить в нашем внутреннем мире. Даша делает эмоции и психологические состояния осязаемыми (или реалистичными), отсюда и термин "психореализм".



Даша использует инструменты сюрреализма, минимализма, цвета, фотографии и цифровых манипуляций, чтобы рассказывать удивительные визуальные истории с изюминкой. В своих рассказах она говорит о самых глубоких психологических вопросах, выявляя вещи, которые обычно считаются некрасивыми, заставляя их сиять разными цветами и эстетически привлекательными. Таким образом, искусство Даши дает зрителям шанс быть в мире с самими собой, оказывая почти физическое успокаивающее воздействие на человеческую психику.



























Подробнее..

22.11.2022 15:47:09 | Автор: admin

Ныне всеми известный и почитаемый певец и актер когда-то был вынужден работать и грузчиком, и продавцом открыток. Потом он оказался в тылу на Первой мировой, но, даже обретши славу, его жизнь не стала легче.






Александр Вертинский прожил долгую и непростую жизнь. Он мог стать бандитом, сесть в тюрьму или умереть от кокаина. И, хотя биография артиста сложилась, казалось бы, плодотворно и успешно, в конце жизни он не раз указывал на свое недовольство всем, что его окружало. Почему же самый именитый пьеро российской эстрады был недоволен? Вот несколько фактов об, актере и певце дореволюционных и советских времен.




Жизнь Александра Вертинского
1. Детство и семья
Родился будущий композитор в 1889 году в Киеве, его семья была далека от бедности, однако беспечное детство артиста быстро кончилось. Вся семья матери (Евгении Сколацкой) не признавала брака и потому почти что отказалась от дочки, которая в итоге умерла через три года после рождения Вертинского. Еще спустя два года умирает отец Александра. Вблизи остается только старшая сестра Надежда, но не очень доброжелательные родственники по маминой линии разделяют Александра и Надежду, сообщая им о смерти друг друга.


Примерно к 1904 году, из-за различных неурядиц во время школьного обучения и не лучших отношений с окружающими, 15-летний Вертинский оказывается на улице. По удачному стечению обстоятельств он попадает в местную артистическую среду, где и задерживается, начав наращивать круг знакомств и репутацию многопланового исполнителя.




2. Работа и становление артиста
Вертинский, оставленный без дома, сестры и должного образования, начинает зарабатывать на жизнь чем может. Он, по некоторым свидетельствам, был бухгалтером в гостинице, корректором в типографии, продавал открытки, работал грузчиком и, конечно, играл в спектаклях, но любительских. Александр знакомится с представителями серебряного века - с Михаилом Кузминым, Бенедиктом Лившицем, Казимиром Малевичем, Марком Шагалом. Периодически Вертинский пишет театральные рецензии на выступления Федора Шаляпина, Джузеппе Ансельми и других.

В 1913 году, ощутивший в себе литературную и другие жилки, он переезжает в Москву, где по счастливому стечению обстоятельств находит свою потерянную сестру Надежду. Однако она умрет менее чем через два года (по слухам передозировка кокаина, которого не чурался и ее брат). Именно в Москве Александр Вертинский начинает свою карьеру, выступая в литературных и драматических сообществах и немного подражая Александру Блоку и Игорю Северянину. Тяга к театру еще не отпускает 24-летнего юношу, но Константин Станиславский не принимает Вертинского в труппу МХТ с детства последний плохо выговаривает звук р. И все же он находит себе работу в другом театре, попутно участвуя в съемках кино.




3. Первая мировая и прорыв в карьере
После начала Первой мировой Александр Вертинский добровольно просится на фронт. Так, он становится санитаром в Тыловом поезде 68, курсирующем между столицей и передовой линией. После возвращения с фронта Александр возвращается к кино, театру и столичной жизни в целом. Год за годом Вертинский все больше песен исполняет, стихов сочиняет, воплощает в жизнь образ пьеро, а в 1917 году (ровно в день Октябрьской революции) проводит свой бенефис. Его слава росла, однако без проблем не обходилось.

Знаменитый романс То, что я должен сказать (пацифисткая песня, которую Вертинский сочинил, впечатлившись гибелью трехсот столичных юнкеров) попал во внимание Чрезвычайной комиссии: автора вызвали на ковер к начальству. Некоторые биографы и исследователи приводят следующий (не совсем доказуемый) отрывок из диалога: Это же просто песня, и потом, вы же не можете запретить мне их жалеть!, говорит Вертинский; Надо будет, и дышать запретим!, отвечают ему в ЧК.





4. Эмиграция из России
После своих гастролей по южным частям распадавшейся империи, из Севастополя в конце 1920 года на пароходе, вместе с остатками армии барона Врангеля, Александр Вертинский плывет в Константинополь (ныне Стамбул). Позже он напишет, Что толкнуло меня? Я ненавидел Советскую власть? О нет! Очевидно, это была страсть к приключениям, путешествиям. Приключения затянутся на 20 лет.

Он оказывается в Бессарабии (Молдове), Румынии и Польше. В 1923 году Вертинский просится обратно, в СССР, но ему отказывают. Так, судьба заставляет его работать (сильно и усерднее, чем на родине) в Германии, Франции, Палестине, США, Харбине, Шанхае. За это время он знакомится со всевозможными представителями бомонда (Марлен Дитрих, Сергей Рахманинов, Рубен Мамулян и другие), но жизнь от этого лучше не становится.




После череды неудачных отношений и влюбленностей Вертинский женится на Лидии Циргвава: разница в возрасте 34 года, но это паре не мешает, и на свет появятся две дочки Марианна и Анастасия (последняя станет не менее знаменитой, чем отец, советской актрисой). Когда японские войска вошли в Китай, жизнь усложнилась у всех людей, включая семью Вертинского: он выступал два раза в день, иногда сдавая и выкупая сценический фрак из ломбарда.

5. Возвращение в Россию и депрессия
Пластинки Александра Вертинского в СССР долгое время осуждались, хотя официально не запрещались. В конце 1930-х певец предпринимает несколько попыток вернуться в Москву, но все срывается. Только в 1943 году, обратившись в письме к В.М. Молотову и пиша о своем желании помочь родине во время боевых действий на фронте, Вертинского и его семью пускают в Советский союз. Певец начинает активно гастролировать по всем фронтам и исполнять уже не ариетки, но патриотки, сочинив композицию Он в честь Иосифа Сталина.





Позже дочь Вертинского Мариана вспоминала слова отца, У меня нет ничего, кроме мирового имени. Знаменитый на всю планету артист активно работал до конца жизни, дав около 3 тысяч концертов, иногда снимаясь в кино. За год до своей кончины он пишет, ... наверху всё ещё делают вид, что я не вернулся, что меня нет в стране. Обо мне не говорят ни слова. Газетчики и журналисты пишут: "Нет сигнала". Вероятно, его и не будет. А между тем я есть!.

В 1956 году Александр Вертинский напишет своей жене Лидии, Я перебрал сегодня в уме всех знакомых и понял, что никаких друзей у меня здесь нет! Каждый ходит со своей авоськой и хватает в неё всё, что ему нужно. И вся психология у него 'авосечная', а ты хоть сдохни ему наплевать! <...> Ты посмотри эту историю со Сталиным. Всё фальшиво, подло, неверно <...> На съезде Хрущёв сказал: "Почтим вставанием память 17 миллионов человек, замученных в лагерях". Ничего себе?! Кто, когда и чем заплатит за "ошибки" всей этой сволочи?! И доколе будут измываться над нашей Родиной? Доколе?...

Источник Подробнее..

21.11.2022 13:46:12 | Автор: admin

Художница из Тегерана Махназ Мирьяни (Mahnaz Miryani) в своих миниатюрных кулинарных композициях воплощает любовь к миниатюре и приготовлению вкусных блюд.

Мирьяни лепит каждый крошечный круассан или чашку кофе из полимерной глины, создавая текстуру для придания реалистичности. После запекания миниатюр прорисовывает детали акриловыми красками и тонирует пастелью.








Подробнее..

14.11.2022 06:00:42 | Автор: admin

Мартин Браун (Martin Brown) талантливый фотограф, эксперт по промышленному дизайну и инновациям, который любит природу.





"Фотография это страсть, которая позволяет мне стать ближе к природе и различным видам, которые на ней обитают, наслаждаться ими и, надеюсь, иметь возможность донести их выдающуюся красоту до других.

Будучи техническим дайвером и подводным фотографом, я могу открывать для себя волшебные подводные миры, до которых нелегко добраться. А также это возможность для меня спроектировать и изготовить кое-какое снаряжение на заказ", написал Мартин на своем сайте.

























Подробнее..

08.11.2022 13:53:06 | Автор: admin

Мэри Эллен Марк (Mary Ellen Mark) сорок лет работала фотографом на съёмочных площадках известных фильмов. Марк была фотографом у Фрэнсиса Форд Копполы на съёмках его киноленты Апокалипсис сегодня. Она запечатлела самые интимные моменты создания Пролетая над гнездом кукушки Милоша Формана. Мэри Эллен тесно сотрудничала с Тимом Бертоном, Федерико Феллини, Франсуа Трюффо, Вуди Алленом. Портреты, снятые Марк во время работы над картинами, поражают искренностью и неожиданной трактовкой образов знаменитостей. Сотни документальных кадров стали основой для фотопроекта Мэри Эллен Марк За кулисами.



Работа Марк на съёмочных площадках представляла собой яркую комбинацию портрета и репортажа, что в последствии стало её фирменным стилем. Её первой картиной стал фильм Ресторан Элис (1968 год) Артура Пенна. Съёмка прошла хорошо. Буквально тут же ей поступило предложение поработать с Феллини на съёмках его Сатирикона.

Работа в кино лучший вид коммерческой работы, - говорила фотограф. Когда я на съёмочной площадке, то вижу, как работают удивительные люди и обязательно чему-то у них учусь.

Стремление к документальности не исключало и её личного видения будущего кадра. Порою Марк пугала своей настойчивостью. Однажды Мэри Эллен заперла на чердаке драматурга Августа Уилсона, пока тот не согласился сидеть спокойно и помочь воспроизвести образ, который родился у неё в голове. Случалось, идея была настолько непредсказуемой, что даже ассистенты Марк терялись в догадках как её осуществить. Так на съёмках Апокалипсис сегодня, когда Марлон Брандо побрил голову, ей вдруг захотелось снять его с большим местным жуком, который сидел бы на лысине.

Если бы я предложила ему надеть жука на голову, он точно сказал бы нет, - вспоминала фотограф. Но если бы он случайно посадил его на себя... Поэтому я принесла банку с жуками и небрежно поставила её рядом. О чудо, все произошло само собой.

Случались съёмки, которые помогли ей в реализации собственных фотопроектов и стали поворотным моментом в творчестве и карьере. В 1973 году Марк спросила Милоша Формана, с которым уже работала на съёмках его картины Отрыв, может ли она также поработать над его новым фильмом Пролетая над гнездом кукушки. У Формана не был заложен бюджет на фотографа и Мэри Эллен согласилась работать бесплатно. Чуть позже, когда в её голове возник замысел фотопроекта, снятого в стенах психиатрической больницы, Марк также не смогла найти финансирование и реализовала его за свой счёт. Сдружившись с персоналом Орегонской психиатрической клиники, в которой проходили съёмки фильма, Мэри Эллен получила разрешение запечатлеть быт пациенток Отделения 81. Шесть недель фотограф провела в палате с другими женщинами.

Я хотела создать повествование о личностях, которые находятся взаперти, - говорила Марк. Показать какие они, особенно женщины. Я не хотела показывать их экзотическими или сумасшедшими.

После сенсационного внимания к проекту Роберт Хьюз из Тайм сказал: То, что получилось, было по сути плачем одно из самых тонко оттененных исследований уязвимости, которые когда-либо были сняты на плёнку.

Работая на съёмочных площадках четыре десятилетия, Мэри Эллен отмечала, насколько сильно изменилась киноиндустрия.

Раньше я могла пойти на съёмочную площадку и свободно бродить по ней. Люди были более доверчивыми, было меньше этого невероятного культа знаменитостей, шумихи вокруг, что только усложняет доступ и мешает работе.

В представленной подборке кадры со съёмочных площадок фильмов, также в ней портреты драматургов, писателей, режиссёров.

Смотрите также Близнецы Мэри Эллен Марк: попытка постичь двойственность мира и обзор творчества Мэри Эллен Марк: чёрно-белый нерв.

Автор: Инна Москальчук































Подробнее..

02.11.2022 06:00:02 | Автор: admin

До конца 1910-х годов все художники стремились на Монмартр в Париже из-за демократичных условий жизни и особой вдохновляющей атмосферы для творческого развития. Однако, место это находилось довольно далеко от центральной части города, в связи с чем у Монмартра в скором времени появился конкурент Монпарнас.

И тогда последний стал идеальным компромиссным вариантом для творческой среды Парижа.


Монпарнас
Если Монмартр населяли романтичные артистичные вдохновители (такие как Золя, Мане, Дега, Форе), то Монпарнас был представлен бескомпромиссными эмигрантскими художниками. Многие из них приехали с Монмартра, чтобы поселиться там в поисках низкой арендной платы за жилье и комфортной мастерской.





Местные достопримечательности:

1. Отель Улей скромная гостиница, в которой в XX веке снимали комнаты представители творческой интеллигенции. В его стенах творили: Гийом Аполлинер, Амедео Модильяни, Фернан Лежеи другие.

2. Музей Монпарнаса

3. Театр Монпарнаса замечательное культурное учреждение, которое было открыто еще во второй половине XIX столетия. Он радует своих зрителей прекрасными постановками легендарных произведений.

4. Башня Монпарнас единственный небоскреб во французской столице, высота этого здания превышает 200 метров.

Монпарнас достиг своего расцвета в 1920-х и 30-х годах, между Первой и Второй мировыми войнами. Монпарнас стал одной из самых процветающих и плодовитых художественных колоний XX века, сердцем интеллектуальной и художественной жизни Парижа. Кафе и бары Монпарнаса были местом встреч и отдыха творческих гениев XX века. Жить в неотапливаемой студии без проточной воды, кишащей крысами и клопами, было почти честью в то время. В драгоценных кафе Монпарнаса в качестве платы даже принимали рисунок художника, если тот не мог оплатить за счет. Эскизы хранились до тех пор, пока счет не будет оплачен деньгами. Это привело к тому, что стены кафе были завалены коллекцией произведений искусства, которые сегодня вызывают у коллекционеров зависть. Монпарнас намного ближе к основным достопримечательностям, которые большинство людей хотят увидеть в Париже. Монмартр, конечно, очень доступен, и многим нравится деревенская атмосфера, но он далек от центра города.



Монмартр
С исторической точки зрения Монмартр занимает очень выгодное положение. Название его обусловливают две конкурирующие причины: Монмартр изначально назывался Монс Мартис, что означает гора Марса. А позже его окрестили Монмартром, также известным как Гора мученика (дело в том, что на вершине холма в 250 году нашей эры был обезглавлен первый епископ Парижа Сен-Дени. Во времена Римской империи быть христианином было, мягко говоря, нежелательно. Его мученичество во имя веры и вдохновило на название холма).






Местные достопримечательности:

1. Кабаре Мулен Руж

2. Любимое кафе многих художников Мулен де ля Галет

3. Сакре-Кер (Sacr-Coeur) самый большой католический собор, если не всей Европы, то уж Франции точно.

4. Музей Монмартра. В XIX веке в стенах особняка творил художник Пьер-Огюст Ренуар.


Монмартр самый богемный из парижских кварталов известен своими мощеными улочками, деревенской атмосферой, динамичной ночной жизнью, большой белой церковью и художниками, которые нашли здесь дом более столетия тому назад. У подножия Монмартра все еще можно увидеть знаменитый Мулен Руж и ночные бары. Сегодня жить на Монмартре дорого несмотря на то, что многие годы этот город был всего лишь местом проживания рабочего класса. Помимо экономических аргументов, художники Монмартра были вдохновлены цветами и сельскими пейзажами.



Интересна история, связанная с Пикассо.

Дело в том, что и в кафе Монмартра, и Монпарнаса художники могли платить по счетам своими эскизами. Вот и Пикассо воспользовался этой возможностью: всякий раз, когда он приходил туда обедать, Пикассо платил рисунком. Владелец сначала принял это, хотя и спросил Пикассо, почему он даже не подписал свои рисунки. Пикассо, известный своими яркими и скромными высказываниями, ответил ему: Потому, что я хочу купить только обед, а не весь твой ресторан. Упрямство художника довольно быстро расстроило владельца кафе.






Художники Моне, Ван Гог и Ренуар нашли на Монмартре свой покой и творческую тишь, где было возможно (и доступно) развивать свое искусство. Когда любители искусства слышат о живописи импрессионизма, то вспоминают, в основном, пейзажи. Но на Монмартре развивались и полотна со множеством городских партий и промышленных представительств. Действительно, Монмартр был идеальной мастерской для тех художников, которые боролись с растущим искусством фотографии.

Всемирно известный художник Пабло Пикассо был одним из первых художников, который покинул окрестности города и отправился на другой холм на юге Парижа Монпарнас. За ним последовал поток интеллектуалов и художников (Сезанн, Жан-Поль Сартр, Джакометти, Дали или Эрнест Хемингуэй). Весь этот художественный всплеск действительно способствовал творческой атмосфере, которая характеризовала Монпарнас в бурных 20-x годах. Два квартала Монмартр и Монпарнас помогли сформировать большое поколение других новаторов.



Источник Подробнее..

01.11.2022 13:44:35 | Автор: admin

Работы Кена Ван Сикла (Ken Van Sickle) овеяны флером романтизма. Они позволяют путешествовать во времени, предоставляя зрителям возможность побывать в Париже 50-х годов или в Нью-Йорке 70-х. Почти ощущается запах сигаретного дыма в парижском кафе, чувствуется снег, который летит в лицо из прошлого.




Уроженец Нью-Брансуика, штат Нью-Джерси, Кеннет Ван Сикл узнал основы рисунка и композиции от своего деда, а затем учился живописи в Париже. Композиционно он способен как на утонченную элегантность линии, так и на графическую смелость. В его работах есть что-то от стиля Шагала ощущение игривой дислокации. Возможно, он не первый фотограф, который вдохновляется мокрыми улицами или чувствует эстетику зимних городских пейзажей, всё это придает его работам неповторимое обаяние.

В 1955 году, вскоре после его переезда в Париж, фотограф намеревался посвятить себя изучению живописи. Однажды на пленере в Люксембургском саду на него снизошло озарение. Его приятель заметил: Твоя картина посредственна, а вот фотография действительно хороша, вспоминает 87-летний мистер Ван Сикл. Я почти сразу понял, что он прав.

Вскоре Ван Сикл оставляет занятия живописью и посвящает себя серьезному изучению искусства фотографии. Развивая свою фотографическую восприимчивость, он создал портрет той художественной, беззаботной жизни, которая издавна манит экспатов в Город Света.

В 1956 году Кен возвращается в Нью-Йорк в надежде заработать денег на коммерческих заказах, чтобы снова вернуться в Париж. Однако коммерческая фотография никогда не удавалась Ван Сиклу, и в Париж он, увы, не вернулся. Вместо этого он нашел работу в киноиндустрии и в 1963 году переехал в квартиру напротив Флэтайрон-билдинг, где живет по сей день.

И тогда, и сейчас фотографии Ван Синкла являются очень точным отражением событий его собственной жизни. Уезжая в отпуск, отправляясь на съемки фильма, принимая приглашение на вечеринку или даже выходя из парадной двери в коридор, он не расстается с фотокамерой. На протяжении многих лет он экспериментировал с инфракрасной съемкой, полароидными манипуляциями и множественными экспозициями. Но в основном его работы это простые черно-белые изображения, а его тематика, по сути, всегда оставалась прежней.

Я не одержимый фотограф. Меня не тянет фотографировать войну или гангстеров, рассказывает Кен Ван Сикл. Мне нравится счастье. Мне нравится, когда люди хорошо проводят время. Люди иногда думают, что мои фотографии несерьезны. Но именно эта несерьезность меня и привлекает.

Ван Сикл стремился отыскать красоту в повседневных обычных вещах. Но как художник богемы 1960-х годов, он часто сталкивался с необычными сценами. На вечеринке в Ист-Виллидж он сфотографировал Аллена Гинзберга, читающего поэму Вопль. Работая над документальным фильмом о поп-артистах, он фотографировал Энди Уорхола в его арт-студии The Factory. На другой вечеринке он встретил японскую художницу Яёи Кусаму, которая пригласила Кена сфотографировать ее за работой в студии.

На ранних этапах творческая карьера Ван Сикла была многообещающей. В 1958 году он провел персональную выставку в Галерее изобразительного искусства. В следующем году Эдвард Стайхен купил две его фотографии, а Метрополитен-музей выставил еще одну на своей выставке Фотография в изобразительном искусстве.

Однако в последующие годы широкое признание ускользнуло от него. В это время он увлекся тайцзи и в 1972 году стал инструктором по этому боевому искусству. Кроме того, он делает карьеру в киноиндустрии, работая оператором-постановщиком документальных фильмов и рекламных роликов. Все это время, по его словам, он не прекращал заниматься фотографией исключительно из любви к ней. Я хотел иметь большую аудиторию, но это было очень трудно, сожалеет он. Вкладывая деньги в искусство фотографии, я никогда ничего не возвращал.

Ситуация начала меняться в 2015 году, когда он познакомился с Эланой Рубинфельд, независимым арт-консультантом. По совету знакомых она навестила Ван Сикла в его квартире и обнаружила там огромный архив, который почти никогда не видел дневного света.

Свои работы он показывал разве что в самом начале, но, думаю, вскоре его постигло эмоциональное выгорание. Он перестал участвовать в выставках и заниматься продвижением своих работ, но все эти годы продолжал фотографировать. Он не думал об аудитории. Он просто запечатлел свой опыт изучения богемной жизни, сказала она. Когда я увидела его работы, мне очень захотелось поделиться ими и показать их любым возможным способом.

Г-жа Рубинфельд создала арт-агентство, и Ван Сикл стал ее первым клиентом. Она создала для него веб-сайт, помогла продать несколько работ и предложила подготовить материал для его первой книги Кен Ван Сикл: фотография 1954-2009. Однако работ, которые фотохудожник хотел бы показать миру, намного больше. Как, впрочем, и творческих замыслов, которые он хотел бы осуществить. А пока, по его словам, он испытывает счастье, посвящая себя делу всей своей жизни. Я просто хочу продолжать делать то, что делаю.


























cameralabs.org Подробнее..

31.10.2022 13:58:09 | Автор: admin

Японский мастер вспоминает детство, создавая зверей-киборгов из глины, меди и красок.



В этом году японский скульптор Митихиро Мацуока отмечает 53-й день рождения. Его детство пришлось на семидесятые, оттуда он и черпает вдохновение. Все работы Мацуоки воспоминания о давних мечтах. А мечтал юный Митихиро обо всем заграничном.



Для Мацуоки-школьника такие вещи были приметами желанного будущего. С тех пор как они перестали его притягивать, скульптор воспроизводит ощущение прежнего предчувствия. Воспоминание о том, что казалось футуристическим, детский восторг, каким он видится взрослому, стали главными темами творчества.

Техника на грани фантастики
Своего фирменного эффекта сочетания уюта, ощущения прошедшего времени и чего-то прекрасного впереди Мацуока добивается несколькими приемами. Во-первых, он выбирает персонажей из знакомого детского набора. Это звери, рыбы, птицы, растения, машинки, корабли, крупная техника.





То ли по личной склонности, то ли под влиянием японской изобразительной культуры мастер делает своих персонажей слегка пугающими. Дети любят страшные игрушки если кто-то в этом сомневается, пусть посмотрит на кошмарную улыбку Хагги Вагги во всех детских магазинах страны. Этого монстра из компьютерной игры обожают современные шестилетки; в 1970-х были другие, и художник, по-видимому, вспоминает о них с большой теплотой. Во-вторых, Мацуока намеренно состаривает свои скульптуры. Бьет по металлическим деталям молоточком, чтобы избавиться от слишком ровных поверхностей. Добавляет потертостей наждачной бумагой. Бронза у него всегда покрыта зеленой патиной. Но главное он раскрашивает готовые работы акриловыми красками, тщательно выписывая трещины, дыры, пятна и ржавчину.





В-третьих, Митихиро соединяет живое и неживое. Все его создания очевидные киборги; они поднимают веки на ржавых пружинах, дышат через заводские трубы, несут себя на механических ногах. Медь соединяется с натуральными мехом и кожей, а основной материал раскрашенная глина или гипс завершает образ. Работы японского скульптора часто относят к стимпанку из-за обилия медных деталей, трубок и пружин, но на самом деле выбор материалов у мастера гораздо шире, а техническая эстетика начала индустриальной эпохи соседствует с намеками на другие времена. У Мацуоки встречаются и гладкие, блестящие, даже футуристические детали.

Полуприкладное искусство

Работы Мацуоки регулярно выставляются в музеях и галереях и в родном городке Итиномии, и в Токио, и в Европе, и в Китае, а в 2014 году его студия приезжала на фестиваль Искусство куклы в Москве. Однако Митихиро занимается не только высоким искусством он входит в число создателей и коллекционеров фигурок.





В Японии эти хобби особенно популярны: в Токио регулярно проводится Wonderfest один из крупнейших фестивалей фигурок, который посещают тысячи фанатов. На таких фестивалях можно увидеть что угодно. Наибольшей популярностью пользуются герои манги и аниме за ними приходит большинство посетителей. Эти фигурки выпускают крупные компании; небольшие студии, отдельные художники и любители чаще показывают героев азиатского фольклора или обитателей собственных фэнтезийных миров.

Но даже на этом фоне скульптуры Мацуоки выделяются и техникой, и сюжетом. Драконов, воинов и инопланетян среди коллекционных фигурок предостаточно, а вот зайцы в бронзовых доспехах и механические киты есть только на одном стенде. Это привлекает другую часть посетителей: тех, кто приходит оценить чужие мастерство и фантазию, а не просто пополнить коллекцию.



Кроме фестивалей, купить фигурку Митихиро можно на сайте студии или японских арт-маркетплейсах. Работы скульптора не бывают штучными, каждую он выполняет в нескольких десятках, а то и сотнях экземпляров. Такова экономика коллекционных фигурок: они могут быть редкими, но почти никогда не бывают уникальными, как обычные картины или скульптуры. Впрочем, в случае Мацуоки грань между настоящим галерейным и декоративно-прикладным искусством тонка и определяется, похоже, только числом оригиналов.

Источник Подробнее..

30.10.2022 09:56:21 | Автор: admin

Альфред Эйзенштадт (Alfred Eisenstaedt), проработав 50 лет репортером журнала Life, снял для издания около сотни обложек и более двух с половиной тысяч репортажей. Сила его таланта заключалась в том, что он одним изображением мог передать суть истории. Со своей миниатюрной камерой Leica Эйзенштадт стал законодателем нового стиля в фотожурналистике красноречивых, выразительных портретов, проникнутых чуткостью и вниманием к человеку.




Эйзенштадт родился в Пруссии, переехал с семьей в Берлин. Вначале первой мировой войны, едва окончив гимназию, он был призван в немецкую армию. На Фландрском фронте 17-летний Альфред получил тяжелое ранение. Осколок шрапнели попал в его правую ногу, прошел на вылет и задел левое колено. В том трагическом сражении из его роты выжил он один.

Год, который потребовался Эйзенштадту для восстановления, он посвятил своему давнему увлечению фотографии. На костылях, с тростью, Альфред обошел все музеи Берлина. По работам мастеров живописи он изучал технику света, композицию. Его восхищал Рембрандт, талант художника передавать объёмы с помощью света и тени. В последствии, когда кому-то из редакторов доводилось сделать замечание Эйзенштадту, раскритиковать его снимок, он восклицал с юмором: У меня другой вкус, я происхожу из школы живописцев! Я не был фотожурналистом, когда начинал, в то время никто не знал, кто такие фотожурналисты. Я живописный фотограф!.

Осознав себя как фотограф, он забросил работу в лавке, в которой торговал пуговицами и ремнями, помогая семье и пытаясь накопить деньги на фотооборудование. Первая фотография, за которую юный Альфред получил гонорар, была снимком девушки-теннисистки во время игры. Его привлекли живописные тени, которые отбрасывала фигура спортсменки. Так Эйзенштадт стал выполнять задания для Associated Press. Одним из первых редакционных репортажей стала съемка лауреата Нобелевской премии писателя Томаса Манна. Вскоре он уже колесил по Европе снимая для изданий свои истории. В 1933 году сделал знаковый портрет Геббельса, который в последствии назовёт Глаза ненависти (во время фотоснимка Геббельс узнал, что фотограф еврей и не смог скрыть эмоций), в 1934 году Эйзенштадт запечатлел рукопожатие Гитлера и Муссолини в Венеции. Альфред чувствовал рост антисемитизма в Германии, его спасало лишь то, что он принимал участие в Первой мировой и имел награду Железный крест. Но желания испытывать судьбу не было, и в 1935 году Эйзенштадт эмигрировал в Америку.

Фотографу не пришлось начинать с нуля. Он уже сделал себе имя в Европе. Предложение стать в ряды четверки репортёров только что созданного журнала Life воспринял с большим энтузиазмом. Вместе с ним в издании трудились Маргарет Бурк-Уайт, Томас Макэвой, Питер Стакпол. В числе первых Эйзенштадт обратился к миниатюрной камере Leica.

Айзи показал нам, что камера может больше, чем сделать снимок здесь и сейчас, - говорили о нём коллеги. Она может рассказать историю.

Он любил людей знаменитостей, нищих, детей, его смешливость, обаяние, интерес к жизни обезоруживали, ему невозможно было отказать. Почти каждому герою своего снимка Эйзенштадт старался отправить фотографию и очень расстраивался, если не получал ответа. Он был легендарным благодаря своему невероятному энтузиазму. В Life он работал до самой своей смерти, посещая журнал каждый день. Если я не пойду, я умру, - сказал он как-то. Его крохотный кабинет до потолка был заставлен коробками с негативами, в которых мог разобраться только он сам.

В этой комнате тонны фотографий, - говорил Эйзенштадт. Я могу рассказать, какая была погода, какие плёнки и настройки камеры я использовал, о чем говорили люди. Я помню все эти вещи, как будто это было вчера.

Прославившись своими непринуждёнными, искренними портретами, он обожал природу и при возможности сбегал на свой любимый уединенный остров Мартас-Винъярд, который непрестанно снимал. Легендарный фотограф часами просиживал у окна, наслаждаясь музыкой в наушниках и любуясь видом.

Меня запомнят как фотографа людей, а я всегда хотел, чтобы меня знали как фотографа природы, - твердил он в шутку и всерьёз.

Альфреда Эйзенштадта не стало на 96 году жизни, за 8 часов до своего ухода он подписал близкому другу свой легендарный снимок поцелуя моряка и девушки в униформе медсестры на Таймс-Сквер в день капитуляции Японии 14 августа 1945 года. Ирония в том, что величайшей своей фотографией сам он считал портрет женщины в ложе оперы Ла Скала, который так и не был напечатан в журнале, поручившем ему это задание.

Автор: Инна Москальчук





























cameralabs.org Подробнее..

27.10.2022 15:55:18 | Автор: admin

Автор канала Woodworking Art превратил брусок дерева в произведение искусства.


Что нужно для того, чтобы превратить деревянный брусок в сложную, реалистичную модель? На самом деле всего лишь инструмент и бездна терпения. Мастер поэтапно продемонстрировал то, как из самых обычных деревяшек постепенно появляются удивительно детализированные части корпуса, колеса и даже элементы механизма автомобиля.

В отличие от настоящих заводов по производству авто, корпус сразу вытачивается из цельного куска дерева так сон сохранит прочность и визуальную привлекательность. В ход идут ленточная пила, шлифовальная машинка, рубанок и небольшое зубило с молотком и в результате рождается настоящий шедевр:



Источник Подробнее..

22.10.2022 05:46:07 | Автор: admin

Американка Дебби Дэниелс (Debbie Daniels) фотореалистичная художница маслом. Ее работы состоят из картин маслом, основанных на морском побережье и пейзажах на островах Сан-Хуан и вокруг них.



Стремясь запечатлеть естественную красоту и ее одно мгновение, Дебби отмечает важность выделения цвета, текстуры, рисунка и формы. Ее тематика включает в себя волны, водную рябь, скалы и лодки.



























debbiedaniels4567 Подробнее..

20.10.2022 05:45:08 | Автор: admin

Тамбо-арт вид искусства, зародившийся в Японии, где фермеры сажают рис различных видов и цветов, создавая невероятные картины на рисовых полях.











Источник Подробнее..

17.10.2022 19:48:59 | Автор: admin

Джос Хабракен 28-летний художник из бельгийского Гента. Он человек, довольно небанальных интересов. Джос работает профессиональным скалолазом (проводит экстремальные экскурсии в горах), а по совместительству подрабатывает таксидермистом. В свое время он поступил в университет на биолога, где обе этих страсти здорово помогли ему в учебе. Он лазал по горам, собирая редчайших насекомых, а затем днями корпел над их сохранением, трудясь в местном музее. Отсюда до его химерических жуков было рукой подать, не хватало только одного связующего элемента. Им стала книга Тысячеликий герой Джозефа Кэмпбелла (она же, кстати, вдохновила Джорджа Лукаса на создание Звездных войн).

Используя мифологические мотивы Кэмпбелла, Джос Хабракен создает фантасмагорических жуков-химер. Он придумывает им имена, описания, родословные, их быт и культуру. В общем, крайне любопытное хобби. В среднем на одну такую фигуру уходит от 20 до 30 часов.







Хайк, патриарх племени охотников-пигмеев




ПАко, шаман и визионер, знаток целебных растений



Кгоси, ядовитый охотник джунглей, любитель обильных пиров и долгого сна



Йооки, воин-наездник, симбионт жука-голиафа, с которым они вместе растут с самого рождения




Нджал, священный воин-защитник царства насекомых




Аойфи, страннейший гибрид царства насекомых




Архетипический тысячеликий герой (по Джозефу Кэмпбеллу) в жучином варианте




А вот, собственно говоря, сам автор жуков

Подробнее..

11.10.2022 19:52:45 | Автор: admin

И какая сволочь засунула ее обратно в одежду?!



Не мы первые, к сожалению, придумали знакомить тебя с самыми очаровательными девушками мира. Как только человечество догадалось, чем женщины отличаются от мужчин, так и понеслось. Причем менялись и стандарты красоты, и способы донести ее до окружающих.

В XVII веке (внезапно!) были популярны портреты. И часто на этих портретах девушки (благородные!) появлялись с обнаженной грудью. Заинтересовавшись вопросом, откуда пошла такая мода, мы снарядили самых отчаянных журналистов в прошлое, чтобы они разобрались, что за дела. Прыгай в нашу машину времени, и мы отвезем тебя в эпоху Возрождения.



Ты удивишься, но художники эпохи Возрождения, рисуя портреты дам с обнаженной грудью, совсем не стремились показать их доступность или как-то очернить. Элементы хвастовства перед остальными девушками здесь тоже отсутствовали начисто.





В XVII и XVIII веках обнаженная грудь на портрете была обычным делом и для королев с придворными, и простых особ, что еще больше вводит в заблуждение нас с тобой. Понятно, если бы так писали только королев. мол, посмотри, какая грудь, холоп! Сексуальная доступность тоже отметается.

Перебрав все возможные варианты, которые нам позволяла наша безграничная фантазия, мы с удивлением обнаружили, что демонстрация молодой, упругой груди была не чем иным, как свидетельством невинности и чистоты девушки, которая еще не ухаживала за ребенком и у которой, соответственно, пока не было секса. В общем, когда ты увидишь в галерее (а вдруг?) девушку с обнаженной грудью, знай: это подтверждение того, что она чиста. И не важно, как было на самом деле.


Но это еще не все. Если девушка демонстрировала грудь на портрете или на публике (бывало и такое) это, как правило, намекало на ее достоинство и социальное положение.



Потом наступил темный XIX век, и женскую красоту начали замалевывать (негодяи!), из-за того что взгляд на обнаженную грудь к тому времени поменялся. Взять, например, портрет Нелл Гвин, любовницы короля Карла II и одной из самых знаменитых актрис своего времени.



Ее писали с полностью раскрытой грудью, но потом закрасили или просто спрятали.






И это не единственный пример. Многие произведения искусства закрашивали, переписывали, изменяли, подвергали цензуре и даже уничтожали. А все для того, что засунуть грудь туда, где ей, по мнению цензоров (позор вам, викторианцы!), самое место.



Источник Подробнее..

11.10.2022 15:55:18 | Автор: admin

Сегодня рассказываем про занимательный телеграм-канал "Почему это шедевр?" (3,4 тысячи подписчиков), который даст ответы на все вопросы, которые мы постеснялись задать экскурсоводам и преподавателям истории искусств.



Кто

Телеграм-канал "Почему это шедевр?" придумала режиссер и основатель продюсерского центра "Исполняй мечты" Ева Габулова. Широкой публике она известна концертными фильмами Димы Билана и Клавы Коки.

О чем

Главная задача канала емко выражена уже в его названии. Автор доступным языком и опираясь на факты, а не субъективные впечатления, объясняет, почему то или иное произведение искусства стало общепризнанным шедевром и обрело мировую популярность.

Посты при этом тоже написаны весьма кратко и по делу: дается информация о дате создания и авторе, месте хранения работы, если речь о музейных ценностях, сюжете или задумке автора, ну а в конце уже разъясняется, почему работа вошла в историю искусства.

Рассматриваются в канале в основном известные широкой публике картины, скульптуры, фильмы и литературные произведения. Специалистам, конечно, может быть скучновато, а вот людям, которые не сильно погружены в мир искусства, но хотят в нем разобраться, может быть интересно. Ведь обычно как раз про такие, на первый взгляд, очевидные культурные объекты, про которые, как кажется, все уже сказано, главного мы и не знаем.



Разброс изысканий в канале поистине широк: от полнометражного дебюта Гая Ричи "Карты, деньги, два ствола" и японской экранизации "Идиота" до картин Рембрандта и литературы Эдгара Аллана По и даже модных придумок Коко Шанель.



Для кого

Канал подойдет для тех, кто хотел бы чуть лучше разбираться в искусстве и поп-культуре, но на походы в музеи, прослушивание подкастов и чтение книг не всегда хватает времени. Короткие посты тут как раз можно успевать читать между делом даже в самый загруженный день. Конечно, полноценного самообразования это не заменит, но лучше такой глоток прекрасного каждый день, чем абсолютная засуха.

Источник Подробнее..

10.10.2022 19:48:15 | Автор: admin

Archangel 3D-художник, создающий готические арт-инсталляции с черепами и скелетами, покрытыми изящными одеждами и броней. От его работ так и веет замогильной меланхолией, но в то же время в них есть и красота. Красота быстротечной жизни и вечной смерти.































Подробнее..

05.10.2022 13:46:16 | Автор: admin

Тайлер Шилдс (Tyler Shields; род. 29 апреля 1982, Джэксонвилл) американский фотограф, сценарист, режиссёр и бывший профессиональный роллер, известный своей провокационной манерой съёмки.



Шилдс родился и вырос в Джэксонвилле, штат Флорида.

Как верт-роллер профессионально выступал на национальных и международных турнирах. Он участвовал во Всемирных экстремальных играх 1999 и 2000 годах и гастролировал с Тони Хоуком в 2003 году.

Фотографией Шилдс стал заниматься в начале 2000-х. Стал широко известен благодаря таким сериям работ, как Провокатор (2014), Историческая фантастика (2015) и публикациям в американском журнале Vanity Fair. Также Шилдс является автором двух фотокниг: Грязная сторона гламура (2013) и Провокатор (2017). Его фотография Банни была представлена на лондонском аукционе Phillips.

На счету Тейлора несколько ролей в кино, а в 2015 году он дебютировал в качестве кинорежиссёра, сняв триллер Последняя девушка с Эбигейл Бреслин в главной роли.
























Подробнее..

27.09.2022 13:45:15 | Автор: admin

Cassiopeus художник-сюрреалист и, как он сам себя называет, мастер нео-меланхоличного футуризма. В его работах ретро-техника сплетается с изящными женскими формами, рождая уникальную симфонию образов. Чуть печальных, но роскошных.











































Больше работ художника можно посмотреть на его сайте. Подробнее..

19.09.2022 15:42:53 | Автор: admin

Дерево не самый податливый материал, а киношные автомобили не самый лёгкий объект для моделирования. Можно по-разному относиться к тому, что получилось у ютюбера-столяра, который взялся за двойной челлендж. Одно скажем точно: это вам не фигурку из LEGO собрать!




Внимание наших коллег из Motor1 привлёк свежий 12-минутный ролик Youtube-канала Awesome Woodcraft, посвящённый деревянной модели Dodge Charger 1968 из Форсажа 8.

Charger один из культовых масл-каров, появившийся на пике гонки моторов в Штатах, изначально и выглядел сурово, и мотор имел ого-го. Но киношники увидели в нём только базу для создания чего-то ещё более одиозного. Для фильма автомобилю ещё добавили брутальности широкие крылья, остекление на винтах, широченные колёса. В багажнике торчит девайс, в котором зрители должны угадать реактивный двигатель.

В мельчайших деталях
Этот болид и попробовали воспроизвести в дереве ребята из Awesome Woodcraft. Да не просто внешние формы, а в мельчайших деталях у машины есть полный салон, подвеска и открывающиеся двери, выделанные снаружи и изнутри. Выделаны даже оспицованные колёса.


Короткое видео (см. ниже) показывает лишь ключевые этапы примерки и сборки деталей. А за ними наверняка стоят многие часы вырезания, сверления, зачистки и полировки.

Понятно, почему все перешли на пластиковые игрушки дерево очень трудоёмко в обработке. Всё же сейчас многие производители игрушек проявляют к нему больше интереса, начиная с Lego. Подмигиваем российским производителям.

Хотите почитать о деревянных самокатах чукуду из Конго?



Источник Подробнее..

Последние комментарии